En 1981, a sus cincuenta años, Stephen Sondheim, era el dios de Broadway. Asociado en una especie de "dúo dinámico" con el director Harold Prince, Sondheim había estrenado con mucho éxito la mayoría de sus mejores trabajos: Company, A Little Night Music, Pacific Overtures y finalmente Sweeney Todd habían convertido la sociedad Prince y Sondheim en los reyes del Broadway de los setentas. Me puedo imaginar la seguridad y confianza que sus nombres daban en la marquesina de Merrily We Roll Along el musical que estrenaron en 1981, que resultó un terrible flop que solamente alcanzó a dar 16 funciones en temporada, que significó el final de la relación laboral entre Sondheim y Harold Prince y que es abordado en el interesante documental "The Best Worst Thing That Ever Could Happen to Us".
Merrily... está basado en una obra de teatro con el mismo nombre escrita en 1934 por el ganador del Pullitzer George Kaufman y Moss Hart. El documental dirigido por Lonny Price, un director de cine que tuvo el sueño de juventud de ser una estrella de Broadway y que fue elegido en el elenco original de Merrily... para interpretar a Charley Kringas.
Utilizando las grabaciones de casting y elenco que se utilizarían en los ochentas para un documental televisivo Price nos cuenta el antes y el después de este descalabro. Nos muestra la euforia que rodeaba la producción cuando terminó el casting, la emoción de cada uno de los muchachos elegidos y el entusiasmo juvenil que acompañó el proceso de montaje del musical.
Prince trabajó en este proyecto con un elenco completamente juvenil, muchachos en sus tempranos veintes, algunos de ellos con un poco de experiencia en Broadway y otros que se incorporaban a un elenco de la Gran Manzana por primera vez.
La primera mitad del documental termina con la sorpresa del fracaso, con las crónicas de los actores que cuentan que le cantaban a la "espalda de los asistentes que salían en caravana", con recortes de periódicos que hablaban mal de la producción, y la segunda parte es una especie de recuento de los daños en donde cada uno de los actores principales cuenta lo que sucedió con ellos después de aquel fracaso; algunos lograron interesantes papeles en Broadway, uno de ellos incluso -Jason Alexander- es ganador de un Emmy por su papel en Seinfield-y también nos cuenta historias de fracaso y decepción.
¿Qué motivos hicieron fracasar a Merrily en Broadway? Sondheim culpa a los envidiosos de su éxito, la gente que ya no soportaba verlo tener un triunfo tras otro, algunos críticos llamaron a su obra "ininteligible", porque iba en retroceso y contaba la historia de una amistad que se rompía desafiando las líneas del tiempo... otros culparon al elenco, decían que eran demasiado jóvenes para sostener el conflicto de hombres y mujeres de treinta.
Lo cierto es que aunque en Broadway el musical no pasó de las 20 funciones, estuvo nominada a mejor composición y ganó un Drama Desk Award por las letras de sus canciones; la actriz Ann Morrison ganó el Theater Word Award por esa pieza. En 2001 el musical se estrenó en Londres ganando tres Olivier, entre ellos el de mejor musical. Las canciones que compuso Sondheim para esta obra forman parte de sus mejores antologías.
Después de rota su relación con Harold Prince, Sondheim se asoció con James Lapine creando los nuevos clásicos Sunday in The Park With George e Into the Woods. Prince, después del fracaso de Merrily dirigió el musical con temporada más larga en la historia de Broadway, The Phantom of the Opera.
Interesante lo que sucede cuando un grande tropieza...
De 1980 a 1990 se entregaron diez premios Olivier al mejor musical, solo en el 90 no hubo premiación. Stephen Sondheim ganó tres veces en diez años el premio, por Sweeney Todd en 1980, por Follies en 1987 y en 1988 por Candide , la obra de Leonard Bernstein en la que Sondheim participó como letrista.
Otro multipremiado de esta década fue Andrew Lloyd Webber, que en 1981 ganó el premio al mejor musical por Cats y en 1986 por The Phantom of the Opera, se puede decir que en los ochenta recibieron el premio Olivier las dos obras que posteriormente se convertirían en las temporadas más largas de Broadway; ambos musicales repitieron el premio al mejor musical en sus estrenos posteriores de Broadway.
En 1982 recibió el Olivier al mejor musical otro trabajo de Monty Norman, llamado Poppy, una comedia inspirada en las Guerras del Opio que sostuvieron Inglaterra y China en 1839 y en 1856.
Blood Brothers de William Russell recibió en 1983 el premio y en 1984 la sociedad teatral inglesa volvió a premiar un producto de importación otorgándole el premio a 42nd Street.
Debido a que el premio al mejor revival de un musical en West End solo se entregó hasta 1991 (el primer revival premiado fue Show Boat) el revival de Me and My Girl, una obra original de 1937 que había tenido ya un revival anterior en 1952, recibió el galardón al mejor revival.
En 1989 se otorgó el premio a un curioso jukebox llamado The Return to the Forbidden Planet, inspirado en The Tempest de Shakespeare y en la película de ciencia ficción de 1950 Forbiden Planet, utilizaba música de los 50's y 60's para contar la historia de una tripulación de astronautas que por accidente aterrizan en el planeta D'Illyria en donde tienen que enfrentarse al malvado doctor Prospero.
El 7 de agosto del año en curso estrenará en Broadway una producción de Follies que ofreció sus primeras funciones en el Kennedy Center for the Performing Arts a mediados de mayo pasado. El elenco incluyó a Beradette Peters, Jan Maxwell, Elaine Paige, Linda Lavin, Ron Raines y Danny Burstein.
La producción fue dirigida por Eric Schaeffer quien ha producido varios revivals y proyectos de Stephen Sondheim.
Hasta ahora Bernadette Peters, Jan Maxwell, Ron Raines y Danny Burstein están anunciadas que aparecerán en la producción de Broadway, así como Elaine Page que repetirá el personaje de Carlota.
Tenía la idea de que ya había hablado de este musical la semana que dediqué a publicar sobre Stephen Sondheim, pero no encuentro el texto que creí que había puesto... así que una disculpa si repito información.
Hace un par de meses llegó a mis manos el DVD de la versión original de esta obra, tengo que reconocer que no fui feliz con el final, sin embargo la obra me cautivó y me mantuvo pendiente de lo que ocurría a pesar de que la música de Sondheim es hermosa pero muy pesada a ratos.
Into the Woods mezcla las historias de los cuentos más famosos de los hermanos Grimm de una manera muy ingeniosa, la música y la letra de las canciones es de Stephen Sondheim, el libreto es de James Lapine.
Se estrenó en Broadway en 1987 con Benadette Peters en el rol protagónico y Joanna Gleason en el papel de la esposa del panadero. Gleason ganó un premio Tony por su actuación y el musical recibió premios a la mejor partitura y mejor libreto, desafortunadamente aquel año su contrincante fue The Phantom of the Opera y el premio al mejor musical evidentemente se lo llevó el monstruo de Lloyd Webber que todavía permanece ofreciendo funciones en el Majestic ostentando el primer lugar en la lista de temporadas más largas de Broadway.
El musical se ha representado en varios sitios del mundo y se hizo un revival en 2002 protagonizado por Vanesa Williams.
Peters y Williams interpretaron en sus respectivas versiones a la bruja que mantiene cautiva a Rapunzel, a diferencia de la película recientemente estrenada por la Disney, la bruja es la verdadera madre de Rapunzel y, por otro lado, amenaza al panadero del pueblo para que le consiga unas cosas que cuando se las den de comer a una vaca, la leche que la vaca produzca será un elixir que le regrese a la bruja su juventud.
El panadero enreda los cuentos robando la capa roja de Caperucita y la zapatilla dorada de Cenicienta, le cambia a Jack su vaca vieja por unas habichuelas y provoca que Jack baje de un mundo en el cielo en donde roba las cosas de un gigante antes de matarlo.
La historia tiene un trágico desenlace cuando la esposa del gigante entra en la escena para vengar a su marido y los príncipes que se casaron con Cenicienta y Rapunzel se dan cuenta que princesas y todo, sus esposas no dejan de ser mujeres.
El musical termina con la reflexión de la bruja que dice al público que hay que tener cuidado con lo que se dice porque los niños lo escuchan todo y que hay que tener cuidado con lo que se desea porque los deseos son niños que crecerán con el tiempo.
Into... estuvo en temporada dos años y ofreció 764 funciones.
John Wilkes Booth asesinó el 14 de abril de 1865 al presidente Abraham Lincoln en el teatro Ford de Washington. Junto a un grupo de conspiradores confederados Booth planeó el asesinato de Lincoln, de su vice presidente, Andrew Johnson, y de su secretario de estado, William Seward.
Cuatro días después de que el ejército de Virginia del Norte se rindiera, Booth tenía aún la convicción de que la causa Confederada no estaba perdida por completo pues el General Confederado Joseph E. Johnston continuaba activo. Seward fue herido pero logró recuperarse y Lincoln murió a la mañana siguiente de recibir un balazo que se albergó en la parte de atrás de su cabeza.
Booth salió corriendo del teatro y logró llegar a caballo hasta una granja al norte de Virginia, en donde fue alcanzado por los Soldados unionistas y fusilado doce días después. Ocho de sus complices fueron encarcelados y cuatro de ellos ahorcados a los pocos días.
Booth fue hijo de un popular interprete de teatro Shakespeariano en Estados Unido, Junius Brutus Booth.
A finales de los ochenta, Stephen Sondheim leyó el script de una revista musical que simbolizara un carnaval en donde se reunían todos los asesinos de expresidentes norteamericanos.
Sondheim pidió permiso a Gilbert para utilizar la idea y Gilbert aceptó ofreciendo incluso ayuda para escribir el libreto. Pero Sondheim declinó pues prefería trabajar con John Weidman con quien había trabajado en Pacific Overtures.
Como todos los años estrellas de Hollywood circularon por los escenarios de Broadway, desde imágenes del recuerdo como Stockard Channing hasta figuras reconocidas como Hugh Jackman, Daniel Craig y Jude Law que hizo una breve y exitosa temporada de "Otelo".
Este diciembre Catherine Zeta Jones y Angela Lansbury comparten créditos en el revival del musical de Sondheim "A Little Night Music" estrenada en Broadway por primera vez en 1973.
El director de este revival es otro nombre importante en Broadway: Trevor Nunn, director de CATS y Les Miserables entre otros éxitos y fracasos teatrales.
El trabajo musical de Stephen Sondheim no se limita únicamente al teatro, en 1966 hizo cuatro canciones para un musical de televisión llamado "Evening Primrose", aquí la canción más famosa de esta película "Take me to the World":
En 1974 hizo la partitura de la película "Stanislavsky" de Alain Resnais y en 1977 escribió una canción original para la adaptación cinematográfica de "A Little Night Music"
En 1981 escribió la música de la película "Reds" escrita, dirigida y protagonizada por Warren Beatty:
En 1990 volvió a trabajar con Beatty para el film "Dick Tracy"; para esta película Sondheim compuso cinco canciones, "Sooner or Later" ganó el Oscar a la mejor canción:
Otro tema de la película fue "More" también reconocida entre las favoritas de Sondheim:
y "Back in Business":
En la película participa el protagonista de "Sunday in the Park With George Mandi Patinkin con quien Madonna hace un dueto interpretando "What Can You Loose?":
En el ´96 escribió dos canciones para "The Birdcage": "It Takes All Kinds" (que no se utilizó en la película) y "Little Dream":
Cuando Stephen Sondheim tenía diez años se hizo amigo de Jimmy Hammerstein, hijo del reconocido letrista y libretista Oscar Hammerstein II. En este tiempo los padres de Sondheim se estaban divorciando y Hammerstein se convirtió en su padre sustituto pues Stephen procuraba estar el menor tiempo en casa.
La relación de Hammerstein con Sondheim ejerció mucha influencia en el segundo, sobre todo respecto a su amor por el teatro musical.
En el estreno de "South Pacific" Sondheim conoció a Harold Prince, quien sería despues el director de sus espectáculos más famosos.
Mientras estaba en la preparatoria escribió un musical cómico basado en los sucesos de su colegio al que bautizó "By George". Hammerstein le dijo que era la peor cosa que había leído en su vida pero pasó toda la tarde explicándole porqué era un material terrible.
"Saturday Night" es el primer musical de Stephen Sondheim. Los hermanos Julius y Phillip Epstein fueron autores del libreto y Sondheim escribió letra y musica.
Los hermanos Epstein adaptaron para cine a principios de los cuarenta una obra de teatro que nunca se produjo llamada "Everybody Comes to Ryck's". El resultado de esta adaptación se llamó "Casablanca" y les hizo merecedores de un Premio de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas.
Julius y Phillip escribieron una obra llamada "Front Porch in Flatbush" y su adaptación a teatro musical ("Saturday Night") se suponía sería estrenada en 1954. La producción se anunció en el New York Times y las audiciones se llevaron a cabo hasta mediados de 1955.
Se había anunciado que para el otoño de 1955 este musical sería el debut de Stephen Sondheim en Broadway, pero en agosto de ese año el principal productor de la obra, Lemuel Ayers murió dejando a la producción desmoralizada y sin suficiente capital.
El proyecto se abandonó hasta que en 1998 fue rescatado por la "Stephen Sondheim Society" que lo produjo a manera de homenaje.
Jerome Robbins era un veterano de Broadway para 1949: En 1944 había trabajado como coreógrafo en el popular musical "On the Town" bajo la dirección de George Abbot y en 1947 había ganado un Tony por "High Button Shoes". Además había sido coreógrafo de otros grandes éxitos como "The Pajama Game" y "The King and I".
Leonard Bernstein en ese tiempo era un prometedor director de orquesta cuya carrera en la música empezaba a despuntar. Robbins y Bernstein habían trabajado juntos en "On the Town".
Arthur Laurentis no era tan prolífico como los dos personajes anteriormente mencionados, había estrenado solo una obra llamada "Home of the Brave" que tuvo una pequeña temporada de poco menos de setenta funciones.
Robbins sugirió a Bernstein y a Laurentis trabajar juntos en una adaptación musical de "Romeo y Julieta". Sugirió que la historia ocurriera entre una familia católica de origen italiano y una familia judía que vivieran en el sudeste de Manhattan durante el tiempo de la Pascua.
La protagonista sería sobreviviente del Holocausto y habría emigrado de Israel; el conflicto fluctuaría entre los "Jets" (antisemitas católicos) y los "Emeralds" conformados por judíos resentidos.
Laurentis estaba deseoso de escribir su primer musical y aceptó inmediatamente; Bernstein quería presentar el material en formato de ópera pero Robbins y Laurentis no estuvieron muy de acuerdo. Laurents escribió un primer boceto y lo llamó "East Side Story".
Cuando el proyecto estuvo terminado, el equipo perdió el interés porque consideró que no era una idea original sino una "nueva versión" de historias ya contadas con anterioridad. El proyecto estuvo abandonado por cerca de cinco años.
En 1955 el productor Martin Gabel deseaba una adaptación de la novela "Serenade" de James M. Cain e invitó a Laurents para el proyecto. Laurent aceptó sugiriendo que Bernstein y Robbins se involucraran en el equipo creativo. Robbins para entonces ya había trabajado en "The King and I", "The Pajama Game", "Peter Pan" y "The Bells Are Ringing".
Jerome pensó que si uniría fuerzas con Bernstein y Laurents sería para el proyecto de "East Side Story" pero acabó aceptando el trabajo de "Serenade". Martin Gabel le presentó a Robbins a Stephen Sondheim quien entonces era solo "un joven compositor y letrista"; Sondheim audicionó para "Serenade" interpretando unas melodías de su primer musical: "Saturday Night" que se estrenaría en otoño de ese año. Laurents se mostró complacido por la letra pero no le gustó la música; con el tiempo el proyecto de "Serenade" fue puesto a un lado.
Laurents firmó un contrato para trabajar en el libreto de una película de Ava Gardner y mientras estaba en Hollywood se reencontró con Leonard Bernstein y durante su reunión en el Beverly Hills Hotel se inspiraron en una nota de periódico sobre una revuelta de chicanos para conversar sobre las bandas de delincuentes juveniles.
Bernstein -que para ese entonces ya había compuesto su galardonado musical "Wonderful Town"- sugirió reiniciar el trabajo de "East Side Story" recontextualizándolo en Los Angeles, pero Laurentis confesó sentirse más familiarizado con los puerto riqueños y Harlem que con los mexicanos-americanos de Olvera Street.
Los dos contactaron a Robbins entusiasmados en un musical "con sabor latino". Robbins coincidió con ellos en Hollywood porque acudió para trabajar en las secuencias de baile de "The King and I", y Laurentis empezó a trabajar en el libreto mientras los dos terminaban sus proyectos; Bernstein se mantuvo en contacto con ellos cuando regresó a Nueva York.
El productor de la película en la que trabajaba Laurents sustituyó a Ava Gardner por Eleanor Parker y le pidió al escritor que rehiciera el libreto para ella; Laurents abandonó el proyecto y se dedicó exclusivamente al musical.
En la fiesta de celebración por el estreno de una nueva obra de Ugo Betti, Laurentis se reencontró con Sondheim y ya que Bernstein había declarado que quería concentrarse exclusivamente en la música de la ahora rebautizada "West Side Story" Laurentis le pidió a Sondheim que se uniera al equipo. Bernstein Y Robbins ya habían invitado a Betty Comden y Adolph Green (ganadores de un Tony por su colaboración con Bernstein en "Wonderful Town"); pero Comden y Green optaron por involucrarse en una película.
Sondheim había fracasado en su intento de estrenar "Saturday Night" y se negó a participar en el proyecto porque quería trabajar como letrista y compositor de un musical, pero Oscar Hammerstein lo convenció explicándole que trabajar en ese proyecto le ayudaría a adquirir experiencia. Stephen terminó aceptando el trabajo.
Laurents había re-escrito el musical convirtiendo a Tony que una vez fue italoamericano en un decendiente de polacos y a la judía María en una puertoriqueña. Laurentis había escrito algo muy similar a "Romeo y Julieta" pero pronto los personajes de los padres fueron eliminados; con el tiempo también el engaño sobre la muerte de Julieta y su suicidio desaparecieron del libreto.
Laurentis inventó un lenguaje "callejero" para hacer el musical a-temporal y Sondheim sacó de frases cortas letras completas de canciones.
Oscar Hammerstein influyó, a petición de Laurents para que Bernstein y Sondheim quitaran la canción "One Hand, One Heart" de la escena del balcón; esta escena se movió para la escena de la tienda de novias y en su lugar compusieron el hoy tema clásico del teatro musical: "Tonight".
Las escenas cómicas del segundo acto con el "Officer Krupke" fueron también idea de Laurentis que quería alivianar la tensión en el público para dar un fuerte golpe al final.
Las letras de "América" y "I Feel Pretty" no fueron sus favoritas pero permanecieron en el musical, hoy estos dos temas también son clásicos. Pero Laurentis si consiguió que el tema "Kid Stuff" se eliminara del musical luego de los "previos" en Washington.
Bernstein trabajaba en "West Side Story" y en "Candide" al mismo tiempo; esto provocó muchos "intercambios" del material entre los dos trabajos: "One Hand, One Heart" era originalmente una canción para Cunegonde en "Candide" y la música de "Gee, Officer Krupke" estaba planeada para ser parte de la escena de Venecia en el otro musical.
La obra estaba casi terminada para 1956, pero todos los involucrados en el proyecto estaban distraídos en otros trabajos a la vez: Robbins trabajaba en "Bells Are Ringing", Bernstein en "Candide", y en enero de 1957 Laurentis estrenaría "A Clearing in the Woods", otro de sus fracasos teatrales.
Cheryl Crawford, el productor, se retiró del proyecto dos meses antes de iniciar con los ensayos; varios productores habían rechazado producir la obra por considerarla "obscura" y "deprimente"; Sondheim convenció a su amigo Harold Prince que leyera el libreto.
Prince fue co-productor junto a George Abbot de la ganadora del Tony "The Pajama Game" y en los setentas sería el productor de los éxitos más grandes de Sondheim: "Company", "Follies", "A Little Night Music", "Pacific Overtures" y "Sweeney Todd". Después del fracaso de "Merrily We Roll Along" su "sociedad" se rompió hasta que volvieron a trabajar juntos en 2003 con "Bounce", otro fracaso de Sondheim.
A Harold le gustó el libreto pero decidió preguntarle a su mentor, George Abbot, su opinión; Abbot le sugirió que rechazara la obra. Abbot y Prince estaban en los "previos" de "New Girl in Town", y ya que la producción de esta obra tenía muchos problemas principalmente por la actitud de Abbot decidió ignorar su sugerencia y junto a su productor Robert Griffith voló a Nueva York para escuchar el libreto.
Después de escuchar la música Prince empezó a ajustar presupu estos y a reunir los fondos. Robbins anunció que no haría la coreografía del show pero aceptó cuando Prince accedió a dar ocho semanas de ensayo al baile, ya que se planeaba que en "West Side" hubiera más música que en ningún otro musical.
James Dean era la opción de Laurents para el rol protagónico, pero murió antes de recibir la propuesta. En ese tiempo el actor y bailarín Larry Kert trabajaba en el musical "Mr Wonderful" de Sammy Davis Jr, Chita Rivera lo animó para audicionar en "West Side" y Kert obtuvo el papel protagónico. Chita había iniciado su carrera en Broadway en 1952 en el musical "Call Me Madam"; Rivera iba acompañando a una amiga a la audición y acabó quedándose con el papel. Después de "Call Me..." participó en "Guys and Dolls" y en "Can-Can", pero fue "West Side Story" la que la consagró como importante actriz de Broadway.
La dirección enfrentó varios problemas: la obra era criticada por los amigos de los autores por lo oscuro de su historia, ¿a quién podía gustarle ver un musical cuyo primer acto terminaba con dos cadaveres en escena?; por otro lado los miembros de la compañía tenían que ser capaces de cantar, bailar y actuar.
El periódico y sus constantes notas sobre bandas en Nueva York calentó el ambiente. Jerome Robbins aplicó la estrategia de separar los ensayos de los Jets y los Sharks de manera que nunca socializaran y pudieran representar verdadera violencia en el escencario. Oliver Smith, el diseñador del escenario sufrió un duro recorte de presupuesto por parte del productor y tuvo que ingeniarselas para hacer la producción con pocos recursos.
Los previos en Washington D.C. fueron un éxito, la crítica y el público reaccionaron favorablemente. La figura de Sondheim estuvo desde ese primer momento opacada por Bernstein que era más reconocido. Bernstein siempre le dió su lugar.
Robbins exigió que se le diera crédito por la "idea original", esto provocó que para cuando fue el estreno en Broadway ninguno de los colaboradores le dirigiera la palabra.
"West Side Story" se estrenó en 1957 y tuvo una temporada de 732 funciones, un número enorme para la época. La noche del Tony el musical estuvo nominado a mejor musical del año pero el premio lo ganó "The Music Man" de Meredith Willson. Jerome Robbins sin embargo obtuvo el Tony por la mejor coreografía. Carol Lawrence, que interpretó a María en el estreno, perdió también el Tony frente a Barbra Cook de "The Music Man".
El productor David Merrick ganó diez Tonys antes de morir cercano a los ochenta años en el 2000, para cuando "Gyspy" tres de las obras que había producido habían sido nominadas, entre ellas un musical "Jamaica". Merrick y la actríz Ethel Merman habían acariciado el proyecto de producir un musical basado en las "Memorias de Gypsy Rose Lee" que se habían publicado en la revista "Harper's Magazine".
"Gypsy", cuyo nombre de pila era Rose Louise Hovick fue una vedette que nació en Seattle en 1911. Su madre era Rose Thompson Hovick quien se casó con un vendedor de anuncios de periódico llamado John Olaf Hovic.
Cuando sus padres se divorciaron, Louise y su hermana menor June (que con el tiempo se convirtió en actriz) se ganaron la vida participando en espectáculos de vaudeville. Mientras June resaltó por su talento Louise vivió opacada en los escenarios. June se casó a los trece años con un actor llamado Bobby Reed y se alejó de la familia para actuar en maratones de baile antes de quedar embarazada.
El talento de Louise no era suficiente para mantener un acto sin su hermana, de manera que Louise probó suerte en el teatro de "burlesque", en donde se convirtió en una legendaria estrella del striptease que incluyó un agudo sentido del humor en su "acto".
Cuando se cambió el nombre por "Gypsy Rose Lee" se convirtió en la estrella más importante del "Minsky's Burlesque", en donde trabajó por cuatro años. En este tiempo fue arrestada constantemente en las redadas que hacía la policía a los shows de los hermanos Minsky.
Con el tiempo viajó a Hollywood en donde actuó con el nombre de Louise Hovick sin mucha suerte debido a su escaso talento. Con el tiempo regresó a Nueva York en donde invirtió con el productor de cine Michael Todd; eventualmente apareció como actriz en varias películas.
En la película "Stage Door Canteen" de 1943 se puede ver una versión abreviada de su famoso acto de desnudismo.
Gypsy Lee escribió dos novelas de misterio a principios de los cuarentas; ella y su hermana fueron constantemente acosadas por su madre "Mama Rose" que abrió una pensión para lesbianas en un departamento de West End Avenue en Nueva York. Las hermanas Hovick rentaron esta propiedad y una granja para su madre quien en una ocasión mató de un disparo a una de sus huéspedes. "Mama Rose" murió de cancer de colon en 1954.
A su muerte las hermanas Havoc se sintieron libres de escribir sobre su vida sin tener que sufrir una demanda de parte de su madre. Louise publicó sus memorias con el nombre de "Gypsy" en 1957. June no estuvo muy contenta con la forma en que era "tratada" en las memorias pero recibió una buena suma de dinero para no oponerse a su hermana.
Ethel Merman y David Merrick se acercaron a Gypsy Lee para obtener los derechos de las memorias para el musical. Jerome Robbins aceptó ser el director y coreógrafo y busco a Leland Hayward como co-productor. Hayward fue el productor de dos grandes éxitos de Hammerstain y Rodgers: "The Sound of Music" y "South Pacific".
Merman también mostró interés por Hayward como productor y Merrick y Hayward en conjunto le pidieron al escritor de "West Side Story", Arthur Laurents, que trabajara en el proyecto.
Laurents no estaba muy interesado en esta obra hasta que descubrió que se trataba de una historia de "padres viviendo en la vida de sus hijos".
El equipo productor buscó un músico que se interesara en el proyecto, Irving Berlin y Cole Porter no mostraron interés. Finalmente Robbins le pidió a su colaborador de "West Side Story", Stephen Sondheim, que lo hiciera y Sondheim aceptó el reto.
Ethel Merman, sin embargo, no quería a un compositor desconocido en el proyecto y sugirió a Jule Styne quien había compuesto importante éxitos como "Bells Are Ringing" y "Gentlemen Prefer Blondes" (sus más grandes éxitos vendrían después: "Gypsy" y "Funny Girl").
Sondheim se rehusó en un principio a hacer solo la letra de las canciones pero su mentor Oscar Hammerstein lo convenció de aceptar el trabajo.Stephen fue de esta manera el último en integrarse a este numeroso y "poderoso" equipo creativo. "Gypsy" se estrenó en el Broadway Theater de Nueva York el 21 de mayo de 1959 y dió 702 funciones.
Ethel Merman interpretó a la monstruosa "Mamma Rose" que hoy es considerado uno de los personajes más famosos del teatro musical. Maria Karnilova (ganadora de un Tony por "Fiddler on the Roof" años después) participó en el montaje.
Aunque el musical estuvo nominado a ocho Tonys no ganó ninguno; el premio al mejor musical ese año fue entregado en un empate a "The Sound of Music" (que resultó ser la última obra de Rodgers y Hammerstein ya que Hammerstein murió oc ho meses después de su estreno)y el musical ganador del Premio Pulitzer: "Fiorello!".
Ethel Merman estuvo nominada como mejor actriz protagónica en un musical pero el premio se lo llevó Mary Martin por "The Sound of Music".
Bernadette Peters participó en el segundo tour que tuvo este musical en los sesentas luego del cierre de temporada en Broadway. Peters interpretó años después a "Mamma Rose" en uno de los "revivals" de este musical.
Edgar Lansbury produjo en 1973 la versión inglesa de este musical y llamó a su hermana Angela para protagonizarlo. Otras grandes actrices que han interpretado a Rose además de Merman, Peters y Lansbury han sido: Tyne Daly (que ganó el Tony por el "revival" en 1989, Linda Lavin y la última versión fue protagonizada por Patti LuPone (LuPone recibió su segundo Tony muchos años después de ganar el primero por "Evita").
En 1962 la versión filmica fue protagonizada por Rosalind Russell y Natalie Wood.
Las hermanas Louise y June Havoc se distanciaron cuando la obra musical y la película salieron a la luz; June no estuvo nunca de acuerdo con la forma en que su "personaje" fue tratado en la historia; pero cuando Gypsy fue diagnosticada con cáncer de pulmón se reconciliaron.
La casa de Gypsy en Los Angeles ostentaba pinturas de Miró, Pablo Picasso, Marc Chagall, Max Ernst y Dorothea Tanning; Gypsy señaló que eran regalos de los propios artistas. La vedette, al igual que Picasso fue benefactora del Frente Popular en la Guerra Española y ayudó a reunir dinero para los niños españoles durante el conflicto armado.
Gypsy Rose Lee murió en 1970 consumida por el cáncer de pulmón.
Senex es un hombre de la antigua Roma que vive con su esposa Domina, su hijo Hero y varios esclavos; entre ellos Hysterium y el esclavo de Hero, Pseudolus, el protagonista de la historia que desea comprar, ganar o robar su libertad. Senex tiene dos vecinos uno de ellos es Marcus Lycus, un vendedor de esclavas, y Erronius quien tiene abandonada su casa porque lleva tiempo buscando a sus hijos raptados cuando niños por una banda de piratas.
Un día Senex y Domina se van de viaje y dejan a Pseudolus encargado de Hero. Hero le confiesa a su esclavo que está enamorado de Philia, una de las cortesanas de la casa de Marcus. Pseudolus le promete ayudarlo a ganar el corazón de Philia si él le promete otorgarle su libertad.
Desafortunadamente cuando pagan la visita a Lycus descubren que Philia está comprometida con el Capitán Miles Gloriosus, que viene en camino para reclamarla como suya.
Pseudolus, que se caracteriza por ser un "gran mentiroso" convence a Lycus de que Philia contrajo una terrible enfermedad de Creta que provoca que la gente sonría hasta morir. Prometiéndole que puede tenerla aislada en casa de Senex logra que Hero y Philia pasen algún tiempo juntos; de esta forma Hero y Philia se enamoran.
Philia sin embargo insiste que aunque está enamorada de Hero tiene que honrar el contrato con el Capitán siendo congruente con su condición de cortesana.
Pseudolus planea dormir a Philia con una pósima para engañar a Lycus y decirle que la mujer ha muerto por la plaga de Creta y que él se ofrece a tirar el cuerpo. Hero se encontraría con ella y ambos huirían en un barco a Grecia.
Pseudolus roba el libro de pócimas de Hysterium y hace que Hero le lea la receta para la pócima del sueño; el único ingrediente que falta es "sudor de yegua" y Pseudolos va a buscarlo.
Sin previo aviso Senex regresa a casa antes de lo previsto y golpea tres veces en su propia puerta -señal que Pseudolus le había dado a Philia para indicar la llegada de Miles Glorosus. Philia sale de casa y,pensando que Senex es el capitán, se le ofrece.
Senex, sorprendido le ordena a Philia que espere en la casa a que él regrese. Hysterium llega a la casa y le dice a Senex que Philia es la nueva criada que contrató. Pseudolus regresa con el sudor de yegua y descubre que Senex ha vuelto; le rocía un poco del sudor de caballo que trae en las manos y le sugiere a su señor que tome un baño.
Senex le ordena a Hysterium que le de un baño en la casa abandonada de Erronius. Mientras Senex toma el baño Erronius regresa a casa abandonando la misión de buscar a sus hijos. Hysterium trata desesperado de mantener a Erronius fuera de su casa mientras su amo se baña y le dice que la casa se ha convertido en una "casa embrujada", mientras Hysterium cuenta esta historia Senex canta en el baño confirmando la "terrible" noticia.
Erronius decide llamar a un adivino que desaparezca al espíritu de su casa y Pseudolus se ve obligado a fingir que es el adivino y a decirle a Erronius que para desaparecer al espíritu tiene que viajar siete veces alrededor de siete colinas de Roma. Cuando Miles Gloriosus llega a reclamar a su esposa-cortesana, Pseudolus esconde a Philia en el techo de la casa de Senex y le dice que ha escapado, Lycus se muestra aterrado por tener que lidiar con el enojo del Capitán.
Pseudolus se ofrece para disfrazarse de Lycus y arreglar el problema pero se confunde y termina por decirle al Capitán que Philia ha desaparecido y que él -Lycus-saldrá a buscarla.
Molesto y con muchas dudas Miles insiste en que sus soldados lo acompañarán pero el esclavo logra perderlos en los caminos de Roma.
Domina regresa a casa también, antes de lo pensado; sospechando que Senex tiene un secreto. Se disfraza con ropas blancas de virgen -muy similar a la ropa que usa Philia- con el propósito de descubrir a su esposo infraganti en una infidelidad.
Pseudolus mientras tanto convence a Hysterium de vestirse como Philia y aparente estar muerto(a) por la epidemia. Desafortunadamente resulta que Miles Gloriosus está regresando justamente de Creta en donde, desde luego, no existe ninguna epidemia- Descubierta la farsa los protagonistas corren por sus vidas en una serie de persecusiones que terminan con Miles y Senex persiguiendo a las tres Philias (Domina disfrazada, Hysterium disfrazado y la verdadera Philia, todos vestidos con la misma ropa blanca).
Las cortesanas de Marcus que se congregaban para el funeral de Philia aprovechan la confusión para huir y Lycus manda a sus eunucos a perseguirlas aumentando la confusión.
Finalmente las tropas del Capitán los rodean a todos, cuando Pseudolus parece estar en un verdadero problema Erronius regresa a la mitad de sus "siete vueltas a las siete colinas" y descubre que Miles Gloriosus y Philia tienen los anillos de sus hijos perdidos.
Philia, al no poder casarse con su hermano, contrae matrimonio con Hero; Pseudolus obtiene su libertad y Gloriosus recibe a unas gemelas cortesanas en compensación por Philia.
El argumento de este musical es una mezcla de tres farsas escritas por Plauto: Pseudolus, Miles Gloriosus y Mostellaria. La adaptación es de Burt Shevelove quien empezó su carrera como escritor, director y guionista después de regresar de la Segunda Guerra Mundial.
Shevelove empezó su carrera en el teatro como escritor y director en 1948 con la revista musical "Small Wonder", "A Funny Thing..." es su trabajo más memorable así como la adaptación para el "revival" de los setentas de "No, No Nannette". El co-autor del libreto y las letras de este musical fue Larry Gellbart un reconocido guionista de cine y televisión (autor del libreto de "Tootsie") que años más tarde fue nuevamente reconocido en el medio teatral por el libreto del musical "City of Angels".
"A Funny Thing..." es el primer musical en el que Sonheim aportó letra y música sin la "tutoría" o "co-autoría" de otros musicos. El musical se estrenó en 1962 y presentó 964 funciones.
La música de esta obra, como sucedería con muchas de las composiciones de Sondheim, no fue muy bien recibida en su momento y a pesar de que el musical recibió varios premios Tony, Stephen no estuvo siquiera nominado.
Esta es una parodia de Whoopie Goldberg sobre el "revival" que hizo Nathan Lane de este musical:
"Anyone Can Whistle" es una reflexión sobre los comportamientos "normales"; la tesis de la obra es que la sociedad llama "normal" a un comportamiento por no llamarle "restringido", "contenido" o "conformista". Es, al final de cuentas, una invitación a valorar el mayor de los milagros: estar vivo.
La historia de este musical acontece en un pueblo imaginario de Estados Unidos que está sumido en la banca rota, el único negocio que sobrevive es un manicomio conocido como “The Cookie Jar”. En este sitio los pacientes suelen ser mucho más saludables que el resto de la gente del pueblo.
Todo el dinero está en manos de Cora Hoover Hooper, uma alcaldesa alocada e implacable y sus compinches: el contralor Schub, el tesorero Cooley y el jefe de policía Magruder. Cora hace su aparición en escena cargada en andas sobre una litera por sus coristas y admite que puede aceptar cualquier cosa excepto la impopularidad.
Schub le dice que tiene un plan para salvar su administración y rescatar al pueblo con un proyecto altamente antiético y acuerdan reunirse en un sitio a las afueras del pueblo.
En este punto de reunión una mujer del pueblo, Mrs. Schroeder, trata de rescatar a su hija, Baby Joan, que ha escalado una piedra enorme; cuando Baby Joan lame la piedra un manantial de agua empieza a caer de elloa. El pueblo proclama este suceso como un milagro y Cora y sus compinches miran en este suceso la posibilidad de atraer turistas interesados en sumergirse en estas aguas de "curativos poderes".
Cora descubre que el milagro es falso y es controlado por una bomba dentro de la piedra. La única persona que duda de este milagro es Fay Apple, una escéptica enfermerda del Cookie Jar que jamás ha creído en milagros.
Apple aparece en la piedra junto a los cuarenta y nueve internos del manicomio, pretendiendo que tomen un poco de agua. Schub intenta impedir que tomen el agua porque sabe que si los internos permanecen enfermos después de beber el agua, el "asunto" del milagro se vendría abajo; pero los internos se revuelven con la gente normal y pronto no se sabe quién es quién.
Fay se esconde de la policía y admite en lo oculto que el único milagro que espera es el de encontrar un héroe verdadero que los libere de toda la locura del pueblo.
Cora llega al lugar con el gerente del Cookie Jar, Dr. Detmold, pero el doctor le dice a Cora que no puede identificar a los internos porque Fay se llevó consigo los expedientes. Ambos esperan a que llegue el nuevo asistente para ayudarlos.
En ese momento hace su aparición un misterioso extrangero llamado J. Bowden Hapgood, pidiendo la dirección del Cookie Jar. Inmediatamente es confundido con el nuevo asistente y le piden que localice a los internos desaparecidos. Bowden hace interrogatorios y divide a los presentes en dos grupos, pero se niega a revelar cuál de los dos grupos está loco y cuál no.
El consejo del pueblo sospecha de sus acciones y trata de sacarle la verdad a la fuerza pero Hapgood les sigue haciendo preguntas hasta que todos dudan de su propia cordura. La misma Cora termina dudando de su salud.
Hapgood anuncia que todos están locos y el elenco se muestra en sillas aplaudiendo a la audiencia en el final del primer acto.
Al inicio del segundo acto hay ya un poco de tensión y rivalidad entre los dos grupos que discuten sobre cuál de los dos es el grupo sano. Aparece un segundo extraño: Fay Apple disfrazada de una dama de Lourdes inspectora y especialista en "milagros".
Mientras Schub corre a avisarle a Cora de la nueva visitante, Fay busca a Hapgood en su hotel y ambos se seducen "al estilo de las películas francesas". Fay quiere que Hapgood la ayude a desenmascarar a los farsantes; Hapgood decide interrogarla primero y le pide que se quite la peluca. Fay le confiesa que ese disfraz, restos de una obra de la universidad, es la única manera de salir de su personalidad rígida y cínica. Cuando Fay empieza a sentir esperanza de que Hapgood puede ser el único que puede ayudarle a ser libre interpreta el tema que le da nombre al musical "Anyone Can Whistle".
Mientras tanto los dos grupos siguen discutiendo, y Cora descubre mientras trata de dar un discurso que Hapgood le ha robado la atención. La alcaldesa y Schub planean una reunión de emergencia en su casa. De vuelta al hotel, Hapgood tiene una idea para destruir los registros de Fay como paciente del manicompio de manera que Fay pueda estar libre de ellos y pueda dejar de fingir.
Fay se niega,Hapgood admite que es un idealista que cansado de intentar heroísmos, quiere internarse en la "Cookie Jar". Inspirado por un historial que el propio Hapgood redacta, Fay comienza a arrancar los registros de arriba. Mientras lo hace, los internos aparecen y empiezan a bailar.
En el tercer acto (si, es un musical de tres actos)Cora discute con sus compinches, Schub planea poner al pueblo contra Hapgood acusándolo de frenar el asunto del "milagro", el grupo aplaude la idea. Una multitud se reúne afuera del hotel y Hapgood y Fay (disfrazada de francesa) se esconden detrás de la piedra y descubren el fraude.
Cora y su equipo los confrontan; Cora recibe un telegrama del gobernador advirtiéndole que si los cuarenta y nueve internos no aparecen tendrá que comparecer ante un juicio político. Schub propone que ya que Hapgood nunca dijo quién estaba enfermo y quien no, pueden arrestar a cualquiera hasta que el registro aparezca.
Fay trata de convencer a Hapgood de que exhiba el engaño sobre el milagro pero Hapgood le dice que nadie le creería porque el engaño funciona como "los milagros deben funcionar". Tampoco acepta la solicitud de Fay de ayudarla a desenmascarar a la alcaldesa porque dice "estar cansado de las cruzadas". Fay toma el camino sola-
Fay termina capturada por los policias y el Dr. Detmold la reconoce; Fay le dice a la gente del pueblo que el milagro es falso pero el pueblo no le cree. Detmold le dice a Cora que aún sin los registros Fay sabe identificar quién es paciente del manicomio y quién no. Cora la amenaza con capturar a cuarenta y nueve personas sean o no internos del manicomio, Fay finalmente los identifica a todos, excepto a Hapgood; y le dice que el mundo necesita hombres como él. Hapgood se vuelve loco y le pide a Fay que vaya con él, pero ella le dice que todavía no puede sentirse libre.
De pronto llega al pueblo el anuncio de un nuevo milagro, a dos pueblos de distancia del pueblo en donde sucede la historia; se trata de una estatua con el corazón caliente. El pueblo se vacía y Cora se queda sola e impopular nuevamente. Schub dice tener la solución: convertir al pueblo entero en el Cookie Jar, ya que el manicomio es tan popular.
La nueva asistente del doctor Detmold llega al pueblo y Fay se horroriza al ver que es una mujer más práctica, rígida e incrédula que ella; Fay regresa a la piedra y llama a Hapgood. Hapgood no responde. Fay toma un silbato y lo hace sonar, Hapgood reaparece y le dice que "eso es suficiente para él"; cuando Fay y Hapgood se abrazan empieza a caer nuevamente agua de la piedra.
El libreto y la letra de las canciones de este musical son de Arthur Laurentis quien ya había trabajado con Sondheim en enormes éxitos como "Gypsy" y "West Side Story". Laurentis fue también el director de la obra.
Dos años antes del estreno de "Anyone..." Arthur había dirigido un musical llamado "Can Get It for You Wholesale", obra que significó el exitoso debut de una niña de 19 años llamada Barbra Streisand.
Angela Lansbury aceptó participar en el estreno de este musical deseosa de trabajar con la combinación Laurents-Sondheim, esta fue la primera vez que Angela trabajó en un musical, entonces tenía treinta y nueve años.
Los previos se presentaron en Filadelfia y tanto el público como la crítica fueron muy hostiles; Laurentis no asumió que la historia era bastante dificil de asimilar y que el mensaje era relativamente "trillado". Enfocó sus energías en "rehacer" el trazo en lugar de poner atención a las deficiencias literarias.
Otro de los problemas que tenía la producción era que Lansbury se veía opacada por el actor Henry Lascoe quien murió de un repentino ataque al corazón durante los previos.
"Anyone..." se estrenó en Broadway en abril de 1964; la crítica reiteró su disgusto por esta producción y la noche del Tony solo el coreógrafo Herbert Ross fue nominado.
Todas estas circunstancias hicieron de este musical un "musical de culto".
La última colaboración de Stephen Sondheim con Arthur Laurentis -y la última vez que compuso solo letra para un musical- fue en la obra "Do I Hear a Waltz?".
Laurentis la concivió como un "musical de cámara" con musica de Richard Rodgers y letra de Oscar Hammerstein; inclúso se imaginó a Mary Martin como la protagonista. Pero Hammerstein murió el 23 de agosto de 1960 y Laurentis y la hija de Rodgers, le pidieron a Sondheim que escribiera la letra. Rodgers produjo el musical y dejó fuera a Mary Martin por considerarla muy vieja para el papel protagónico (Martin para entonces tendría cerca de cuarenta años).
La primera opción para dirigir el musical fue Franco Zeffirelli, pero Laurents, Sondheim y Rodgers se durmieron durante su primera discusión con él.
Laurentis sospechó que esta actitud en Rodgers se debía a su afición por la bebida, lo confirmó cuando descubrió una botella de vodka escondida en el baño de la casa de de Richard; los problemas de Rodgers con el alcohol provocaron muchos retrasos y problemas en la producción.
Laurents sugirió a John Dexter como director. Dexter más adelante ganaría dos Tonys, uno por su dirección de "Equus" en 1975 y otra por "M. Butterfly" en 1988. Arthur se arrepintió de haber buscado a Dexter porque el director insistía en poner a Elizabeth Allen en el papel protagónico.
Allen, según Laurentis, era buena actriz y cantante pero tenía una personalidad demasiado fría, muy distante a la personalidad de la protagonista, Leona.
Mientras tanto la relación Rodgers-Sondheim no era buena, ambos empezaron a distanciarse de si mismos y del proyecto. El primer ensayo general fue un desastre y Dexter perdió el interés en la obra por completo, dejando una carga grande de trabajo a su asistente-coreógrafo Wakefield Poole (Poole en los setentas fue director pionero del cine pornográfico gay).
La producción solicitó la participación en algunas rutinas de baile del director Herbert Ross (coreógrafo de varias secuencias de la película "Funny Girl"). Ross trajo a la producción a su esposa Nora Kaye, quien fungió como mediadora entre todos los frentes de guerra de la producción.
"Do I hear..." se estrenó en marzo de 1965 y presentó 220 funciones. Tuvo tres nominaciones al Tony (incluyendo una para Elizabeth Allen) pero perdió en las tres categorías) Ese año la gran ganadora fue "Fiddler on the Roof".
A finales de los años sesentas, George Furth -entonces un escritor desconocido- escribió once sketches para la actriz Kim Stanley. El protagonista de "Psycho", Anthony Perkins -para entonces ya famoso- mostró interés para dirigirla y le pidió a Sondheim que leyera el material.
Sondheim lo leyó y le preguntó a Harold Prince su opinión. Prince le dijo que ese libreto era una base extraordinaria para un musical.Prince decidió dirigir la obra y Perkins -que originalmente protagonizaba el musical- abandonó la producción antes del estreno para dirigir otro proyecto-.
Después de siete previos "Company" se estrenó en el "Alvin Theater" en abril de 1970.
Dean Jones ("Cupido Motorizado") suplió a Perkins, pero no pudo sostener el personaje mucho tiempo pues se estaba divorciando y se enfermó gravemente de "stress". Su lugar lo ocupó el suplente Larry Kert.
La primera aparición en Broadway de Kert había sido en "West Side Story"; Larry había ido a audicionar por acompañar a su compañera y amiga, Chita Rivera, ambos quedaron en el musical: ella como "Anita" y él como "Tony", el protagonista. Kert recibió buenas críticas y fue honrado con la posibilidad de ser nominado a un Tony, honor que solo se concede al actor que interpreta el personaje por primera vez.
Larry obtuvo una considerable fama con este musical, misma que no pudo conservar pues sus siguientes musicales fueron fracasos: "Rags" el musical de Joseph Stein ("Zorba" y "Fiddler on the Roof") con letra de Stephen Schwartz cerró dos días después de su estreno y "Legs Diamond" fue el fracaso del musico australiano Peter Allen por entrar a Broadway.
Kert murió de SIDA en el 91, a los sesenta años.
Estos videos son del "revival" del 2006, una versión que llamó la atención porque los actores tocaban en escena mientras actuaban:
Originalmente este musical se llamaba "The Girls Upstairs", sucede en un viejo teatro de Broadway que será demolido en pocos días. Ahí tiene lugar una reunión de antiguos miembros de la revista musical "Weismann's Follies" que se presentaba en el tiempo de paz entre la primera y la segunda guerra mundial.
Los personajes centrales de la historia son dos parejas: Buddy y Sally Durant Plummer y Ben y Phyllis Rogers Stone, todos ellos asisten a la reunión. Sally y Phyllis fueron bailarinas de las "Follies" como muchas de las mujeres de ahí. Ambas tienen problemas en su matrimonio: Buddy, un vendedor, tiene un romance con una chica de fuera de la ciudad y Phyllis se siente abandonada por su marido que está últimamente muy absorto en si mismo.
Las dos parejas interactuan entre si e interactúan con otros de los asistentes a la fiesta, durante este "re-encuentro" imágenes del pasado interpretan varios números musicales de lo que solía ser el espectáculo de las "Follies".
Sondheim hace la música de esta obra como "evocando" a escritores del pasado: "Losing My Mind" una de las clásicas de Sondheim tiene un estílo muy parecido a las baladas de George Gershwin y "The God Why Don't You Love Me" es un blues al estilo Cole Porter.
El musical tiene otros clásicos de Sondheim como: "Broadway Baby", "I'm Still Here" y "Too Many Mornings".
Las "Weiszman's Follies" están inspiradas en las "Ziegfield's Follies", uno de los primeros espectáculos de musica y baile que se presentaban en Broadway a finales del siglo XIX.
"Follies" se estrenó en Broadway en 1971 en el "Winter Garden Theatre", el director fue Harold Prince; Michael Bennett fue co-director y coreógrafo de este musical y recibió dos Drama Desk y dos Tonys por su trabajo (el último que hizo con Stephen Sondheim, cinco años después Bennett sería un fenómeno al ganar el Tony al mejor director por "A Chorus Line" derrotando a Prince que competía por "Pacific Overtures").
En el elenco original estaba Dorothy Collins, una famosa cantante canadiense que estuvo nominada ese año al Tony pero perdió frente a otra actriz de "Follies": Alexis Smith.
El papel de Carlotta Campion fue interpretado en el elenco original por Yvonne De Carlo (Lily Monster). El personaje tiene una canción importante "I'm Still Here", colocada con tan buen tino dentro de la historia que desde el estreno este personaje se ofrece a actrices veteranas de renombre, para su lucimiento.
El musical tuvo una temporada de un año, dió 522 funciones pero fue un fracaso financiero. En 2001 se estrenó un "revival" en Broadway que duró 117 funciones. Hay fuertes rumores de una adaptación filmica de Sam Mendes ("American Beauty" en cine y "Cabaret" en teatro) para este musical.
Estas dos canciones son interpretadas por dos famosas actrices de Broadway: Carol Burnet y
Esta es una muy divertida adaptación del concierto "Hey! Mr Producer" de Cameron Mackintoch:
¿Qué motivos hicieron fracasar a Merrily en Broadway? Sondheim culpa a los envidiosos de su éxito, la gente que ya no soportaba verlo tener un triunfo tras otro, algunos críticos llamaron a su obra "ininteligible", porque iba en retroceso y contaba la historia de una amistad que se rompía desafiando las líneas del tiempo... otros culparon al elenco, decían que eran demasiado jóvenes para sostener el conflicto de hombres y mujeres de treinta.
